miércoles, 14 de marzo de 2012


MARCOS GÓMEZ TOLEDO  

Mazarrón ( Murcia).

Reside seis años en Valencia donde obtiene la licenciatura en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos.
En 1985 participa en la exposición Mazarrón 85 y pasa a ser miembro fundador del grupo Almagra.
Como componente del grupo almagra participa en todas las exposiciones realizadas hasta la fecha y fuera del grupo realiza exposiciones en Valencia, Logroño, Motril, Mazarrón…
En la actualidad compagina la pintura con la docencia, siendo profesor de dibujo en un instituto de la capital murciana.

LA DOSIS REALISTA      

Nunca se ha planteado ser un pintor realista, siempre que hablaba con él sobre pintura me comentaba que la pintura realista ya existía en la propia realidad. La naturaleza es bella por si misma imitarla no tiene sentido existen otros medios más adecuados que la pintura para reflejarla tal y como es. 


Sus planteamientos e intrigas sobre pintura, eran simplemente PINTURA, sobre los elementos artísticos que son los artífices de cada obra; color, línea, puntos, planos, composición, ¡ah! cómo intriga la composición que nos marca el equilibrio del cuadro, el ajuste de las tensiones y el peso visual.
La composición como estructura interna del cuadro que busca el equilibrio de la forma, su dirección y su ubicación determinándose mutuamente de tal modo que no se aprecie ningún cambio y el todo asuma un carácter de necesidad en cada una de las partes. Para ello no duda, aunque parta de una realidad natural en descartar elementos que aunque están en el motivo, a veces se suprimen, se cambia de sitio o se traen de otro motivo, con el fin de buscar una composición equilibrada.
Estas eran sus inquietudes, ya desde pequeño en su etapa escolar sentía una gran admiración por los pintores impresionistas y expresionista alemanes, un poco raro, pues psicológicamente es en estas edades cuando más acentuado se tiene el sentido del realismo en el individuo.  Pero entendía que para destruir, primero hay que construir. Debe de haber algo construido, no se puede deformar algo si primero no se le ha dado forma, si no se ha moldeado, si no se estudia su mecanismo, su estructura, sus articulaciones.
Para esto decidió formarse académicamente, y se trasladó a Valencia a realizar Bellas Artes. Allí conoció el realismo y las técnicas, pero siempre con la idea de abandonarlo en algún momento. Marcos no quería convertirse en un virtuoso del pincel, necesitaba buscar y definir su camino, un compromiso con la pintura, por cierto, creo que todavía lo está buscando.
En este periodo comienza a realizar estudios sobre bodegones, paisajes y figuras humanas.


EXPRESION Y GESTO

 Paralelamente a su formación académica, le fascina la realidad circundante de los ochenta donde surge el fenómeno Postmoderno, es el renacer del nuevo expresionismo alemán entre otras nuevas tendencias artísticas.
El estudio de Munch y las escuelas expresionistas de principios del siglo XX, junto con las nuevas maneras de hacer de los ochenta, donde todo se libera y se da un cierto eclecticismo pictórico, hace que su pintura en estos momentos se base en la forma, pero trata a la forma más como contenido de una representación que como descripción de un elemento. Su pintura se vuelve más apasionada, más directa y más gestual dando paso a la ironía y al sentimiento.
Es en esta época cuando empieza a plantearse el color como hilo conductor de su obra, aunque también mantiene al hombre en su entorno social como criterio unificador de su pintura y empiezan a aparecer elementos que van enlazando unas obras con otras. Así de un hombre preocupado en un balcón en  el que aparece un gato, se pasa a una serie de cuadros sobre perros y gatos, y de ahí a una valla alargada que le lleva a introducir un nuevo parámetro en su pintura, buscando un formato descaradamente horizontal como predominio de la composición, esto hace que sea el formato quien pase a ser el protagonista de la representación.
Se agranda el tamaño del cuadro y el motivo que utiliza es tan reducido que llega a la abstracción pictórica en sus representaciones. Pasando a ser el color, el elemento que estructura el espacio donde la composición llega a ser un juego de bandas horizontales y verticales fuertemente contrastadas donde a veces aparecen detalles anecdóticos de una realidad evidente.      

ABSTRACCIÓN Y SINTESIS

 Ante los nuevos caminos que le presenta la abstracción decide cambiar de técnicas y empieza a utilizar papeles coloreados en sus composiciones. Esto le permite crear con gran rapidez y profundizar sobre las teorías del lenguaje visual sin otras preocupaciones que no sean simplemente armonías, contrastes y equilibrios de las fuerzas visuales.
Pero la abstracción en sí, no es lo que más le interesa y surge un nuevo planteamiento en su manera de hacer. Basándose en un estudio de la realidad, se empieza a sintetizar el espacio hasta llegar a las formas más simples que pueden representar a un objeto o entorno. En este proceso de síntesis experimenta con distintos materiales, tomando la materia como un elemento más que entra a formar parte de la obra en sí. 


EL COLOR DIRECTO SENSUAL

https://photos.google.com/share/AF1QipMOyv0M0XI0BZuGs5vm3vbJIzCm4I00VX6zEhuEQnp3RNPCb_l409ApwPdO7oQprA?key=Tm9XV1JhanNjWHBzU19teWh1NzJRTV9XU21Ra1dR
 Es en los noventa cuando el color pasa  a ser el verdadero protagonista de su pintura, planteándose la composición en función del color, si bien se observa que el espacio es construido desde distintas fuentes de inspiración como interiores, rincones íntimos, símbolos e iconos etc. El color es utilizado salvajemente y de una manera ornamental, éste no se presenta en función de la forma, sino en función del conjunto pictórico buscando fuertes armonías contrastadas en la que es la totalidad de la obra la que se complementa y tiene razón de ser siendo menos significativo el cuadro individual. El procedimiento en que se aplica el color en la superficie se presenta de una manera libre y a veces agresiva, también se justifica y se relaciona con el ritmo frenético que empieza a vivirse en la década de los noventa.

La serie “ Composiciones” marca un nuevo giro en su camino ya que introduce soluciones psicodélicas que hacen que la pintura se valla aplanando marcando ya tendencias que culminaran a principios de la década siguiente.
Este aplanamiento de la pintura hace que comience a buscar nuevas armonías y nuevos contrastes cromáticos, se interesa por el Pop Art americano.
Aunque no le atrae ni pretende hacer ninguna referencia a la filosofía sobre el consumismo, en la que basaban estos su obra, sino que sus estudios se concretan en analizar la manera procedimental que utilizaban estos en el color. Esto le lleva a crear nuevas combinaciones armónicas y tras unas composiciones en las que predominan las tintas planas “ Dianas, ceniceros y tazas” y “ Arquitectaria”. Comienza a realizar nuevas series en las que se vuelve a recuperar la expresividad de la pincelada y la sensualidad del color, series como “ Hombres, escaleras y espigas”, “ Un barquito de papel”, etc.

Es ya en el 2000 cuando su pintura adquiere nuevos conceptos y realiza “ Mujeres” y si en ella hay un planteamiento sentimental muy profundo, es en la técnica donde aparece como novedad dos visiones distintas del cuadro. En estos plantea fondos coloristas que se construyen a partir de un espacio real y éste se fragmenta con el fin de descontextualizar los elementos y llegar a plantear simples parcelas de color que a veces  llegan a la abstracción y sobre este espacio se dibujan contornos, siluetas de mujer con un trazo en línea blanca queriendo provocar en el espectador dos visiones distintas: si este se aleja del cuadro se observa a una mujer sobre un fondo, mientras que si se acerca en demasía el cuadro queda formado por distintas estructuras de color fuertemente contrapuestas.

Este planteamiento lo sigue manteniendo en la serie dedicada a la costa de Mazarrón
“ Visiones de un litoral”. Si el cuadro es observado de cerca se ve un caos de manchas de color y líneas rayadas en diagonales, horizontales, concéntricas, sinuosas y superpuestas con un carácter bastante desordenado y salvaje, en referencia al paisaje que representa, y a una cierta distancia es cuando el cuadro se construye y se convierte en un espacio reconocible  y casi realista.
Para la elección de los motivos se planteaban dos disyuntivas: por un lado quería respetar la forma, pues al hacer referencia a un lugar tan especial para Mazarrón como son sus Calas de Bolnuevo, no se quería ni deformar ni interpretar, pero por otro lado, él pretendía dominar el cuadro y que no fuese al revés. Así que ha optado por hacer planos muy cortos, casi de teleobjetivo, en la que a veces no se reconoce la zona representada, permitiéndole esta elección dominar la composición. Así siendo cuadros de paisajes donde la distribución de los elementos te viene dada por el propio paisaje, se observan composiciones en ele, en equis, en diagonal, etc. que le dan al conjunto un resultado más dinámico y complementario, en definitiva más atractivo.
 
ACERCA DEL ARTE BELLEZA. 

https://photos.google.com/album/AF1QipPMx_sp02dt85H2MFkQKlYEFFxooos-PVrSLFMf
 
 Expresar, comunicar, manifestar tu dialogo interior,
a través de colores, palabras, barro…

Canalizar, sublimar, tamizar tu yo,
a través de tus manos, tu voz, tu movimiento…

Esparcir lo que vives, lo que eres, lo que sientes,
Lo que te quema dentro y necesitas contar a los otros:
“ Ese también soy yo en rojo, azul y blanco
en líneas curvas o círculos concéntricos,
en estrofas rimen o no rimen,
en movimientos como ondas de marinas o aleteos de mariposas…”

Lo bello puede ser lo autentico, o expresado sin miedo
lo bello puede parecernos sublime o miserable
lo bello es indefinible…

La belleza puede estar en saber mirar,
mirar más allá y crear.

El arte/belleza, independientemente del medio utilizado,
está en que nos llegue, nos emocione,
nos empape de ganas de vida…

El arte puede ser camino bonito o sendero alternativo
que protege de ruido y cemento…

Mundo subterráneo de olores y lienzos blancos
o de color difuso, amparo de los amparos
refugios de los refugios…

Necesidad vital de dar vida, de plasmarte una y
otra vez… verte siempre.
después de la mirada interior, crear y reencontrarte fuera

El arte puede ser una explosión cósmico- vital de los sentidos
que luchan por trascender del cuerpo y extenderse
      en cada brizna de hierva,
      en cada trozo de hielo,
      en cada ola de mar,
en cada muerte sangrienta,
en cada calle polvorienta,
en cada Tu, en cada Yo

El arte es recrearse en un color:
“ el azul es un último presentimiento, casi un
frustrado deseo de elevar la frente hacia el cielo
y volver a encontrarlo”

El arte es recrearse en una figura que toma nuestro nombre y
decisión 
“ rostro hacia el que nos lleva la nostalgia, el deseo
o cualquiera de las mil abominables conjugaciones
que transforman los días en algo circular e idéntico.
Nada se puede hacer, pero en un extraño
encuentro de sorpresas todo se hace.”

El arte es recrearse en el dolor:
“ que en un sólo trazo se vuelve enigma de amores,
y la sombra vuela,  los colores se van desgranado
en espectro armonioso, y como si los promoviera
un impulso musical se llena de perfiles inéditos y
ancestrales.”

El arte es un continuo recrearse:
“ en el amor, la palabra feliz, el gesto afectuoso,
el calor de un cuerpo que nos ama y sufre tan solo
de nuestra propia desdicha…”


El arte:
                 PINTURA
                 MUSICA
                 POESIA
                 VIDA…
Nos incita nos llama, nos rescata de la muerte.
                                                                                       PRA